¿que es estética?
Definición:
Estética, rama de la filosofía
(también denominada filosofía o teoría del arte) relacionada con la esencia y
la percepción de la belleza y la fealdad. La estética se ocupa también de la
cuestión de si estas cualidades están de manera objetiva presentes en las
cosas, a las que pueden calificar, o si existen sólo en la mente del individuo;
por lo tanto, su finalidad es mostrar si los objetos son percibidos de un modo
particular (el modo estético) o si los objetos tienen, en sí mismos, cualidades
específicas o estéticas. La estética también se plantea si existe diferencia
entre lo bello y lo sublime.
La crítica y la psicología del arte,
aunque disciplinas independientes, están relacionadas con la estética. La
psicología del arte está relacionada con elementos propios de esta disciplina
como las respuestas humanas al color, sonido, línea, forma y palabras, y con
los modos en que las emociones condicionan tales respuestas. La crítica del
arte se limita en particular a las obras de arte, y analiza sus estructuras,
significados y problemas, comparándolas con otras obras, y evaluándolas.
El término "estética" fue
acuñado en 1753 por el filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten, pero el
estudio de la naturaleza de lo bello había sido una constante durante siglos.
En el pasado fue, sobre todo, un problema que preocupó a los filósofos. Desde
el siglo XIX, los artistas también han contribuido a enriquecer este campo con
sus opiniones.
La idea y la palabra de Baumgarten
hicieron fortuna.
No fue él el creador de las teorías
sobre la belleza, que formaron parte de la
Filosofía desde siempre, sino tan sólo
su recopilador y etiquetador.
Definida así, la estética se encuadra
mejor en la psicología que en el arte, del que pretende ser la filosofía. Y esa
es en efecto la raíz de la estética, la percepción; porque al fin y al cabo las
cosas son para nosotros como las percibimos, tanto si coincide nuestra percepción
con la realidad, como si no. Pero no se detiene ahí la estética, puesto que se
ve obligada a estudiar y definir qué formas han de tener las cosas para que
sean percibidas como bellas por la mayoría. Y aquí tenemos un nuevo elemento
distorsionados: la percepción de la mayoría induce a determinar que la
sensación que percibe cada uno, tiene tanto más altas garantías de objetividad,
cuantos más son los que coinciden en una misma forma de percepción.
En el poco tiempo que tiene la
estética como disciplina filosófica y empírica, ha tenido oportunidad de dar
muchos tumbos. Hoy (como siempre) asistimos a la creación de líneas estéticas
efímeras, gracias sobre todo al inmenso poder de los medios de comunicación.
tipos de estética:
Estética Moderna:
El gran impulso dado al
pensamiento estético en el mundo moderno se produjo en Alemania durante el
siglo XVIII. En su Laocoonte o los límites entre la pintura y la poesía (1766),
el crítico Gotthold Ephraim Lessing sostuvo que el arte está autolimitado y
logra su elevación sólo cuando estas limitaciones son reconocidas. El crítico y
arqueólogo Johann Joachim Winckelmann mantuvo que, de acuerdo con los antiguos
griegos, el mejor arte es impersonal y expresa la proporción ideal y el
equilibrio más que la individualidad de su creador. El filósofo Johann Gottlieb
Fichte consideraba la belleza una virtud moral. Al crear un mundo en el que la
belleza, al igual que la verdad, es un fin, el artista anuncia la absoluta libertad,
que es el objetivo de la voluntad humana. Para Fichte, el arte es individual o
social, aunque satisface un importante propósito humano.
El también filósofo Immanuel Kant
estuvo interesado en los juicios del gusto estético. En su obra Crítica del
juicio (1790) proponía que los objetos pueden ser juzgados bellos cuando
satisfacen un deseo desinteresado que no implica intereses o necesidades
personales. Además, el objeto bello no tiene propósito específico y los juicios
de belleza no son expresiones de las simples preferencias personales sino que
son universales.
Aunque uno no pueda estar seguro
de que otros estarán satisfechos por los objetos que juzga como bellos, puede
al menos decir que otros deben estar satisfechos. Los fundamentos de la respuesta
del individuo a la belleza, por lo tanto, existen en la estructura de su
pensamiento. El arte debería dar la misma satisfacción desinteresada que la
belleza natural. Resulta paradójico que el arte pueda cumplir un destino que la
naturaleza no puede: puede ofrecer belleza y fealdad a través de un objeto. Una
hermosa pintura de un rostro feo puede incluso llegar a ser bella.
Según Georg Wilhelm Friedrich
Hegel, el arte, la religión y la filosofía suponen las bases del desarrollo
espiritual más elevado. Lo bello en la naturaleza es todo lo que el espíritu
humano encuentra grato y conforme al ejercicio de la libertad espiritual e
intelectual. Ciertas cosas de la naturaleza pueden ser más agradables y
placenteras, y estos objetos naturales son reorganizados por el arte para
satisfacer exigencias estéticas. Su obra Estética (1832) fue un punto de
referencia importante para la estética moderna al aplicar los principios de su
sistema al análisis de la obra de arte y de la historia.
Por su parte, Arthur Schopenhauer
creía que las formas del Universo, como las formas platónicas eternas, existen
más allá de los mundos de la experiencia, y que la satisfacción estética se
logra contemplándolos por el propio interés que provocan, como medios de eludir
el angustioso mundo de la experiencia cotidiana. Otorgó una especial
importancia a la música y analizó, de un modo original, los rasgos del artista.
Fichte, Kant y Hegel marcaron una
línea directa de evolución. Schopenhauer atacó a Hegel pero estuvo influido por
el enfoque de Kant de la contemplación desinteresada. Friedrich Nietzsche
aceptó en sus primeras obras la influencia de la visión de Schopenhauer, para
discrepar más tarde de su magisterio. Nietzsche estaba de acuerdo con que la
vida es trágica, pero esta idea no debería excluir la aceptación de lo trágico
con alegre espíritu, pues su realización plena es el arte.
Estética Contemporánea:
Cuatro filósofos de finales del
siglo XIX y principios del siglo XX aportaron con sus respectivos pensamientos
las principales influencias estéticas contemporáneas.
En Francia, Henri Bergson definió
la ciencia como el uso de la inteligencia para crear un sistema de símbolos que
describa la realidad aunque en el mundo real la falsifique. El arte, sin
embargo, se basa en intuiciones, lo que es una aprehensión directa de la
realidad no interferida por el pensamiento. Así, el arte se abre camino
mediante los símbolos y creencias convencionales acerca del hombre, la vida y
la sociedad y enfrenta al individuo con la realidad misma.
En Italia, el filósofo e
historiador Benedetto Croce también exaltó la intuición, pues consideraba que
era la conciencia inmediata de un objeto que de algún modo representa la forma
de ese objeto, es decir, la aprehensión de cosas en lugar de lo que uno refleje
de ellas. Las obras de arte son la expresión, en forma material, de tales
intuiciones; belleza y fealdad, no obstante, no son rasgos de las obras de arte
sino cualidades del espíritu expresadas por vía intuitiva en esa misma obra de
arte.
El filósofo de origen español
Jorge Ruiz de Santayana razonó que cuando uno obtiene placer en una cosa, el
placer puede considerarse como una cualidad de la cosa en sí misma, más que
como una respuesta subjetiva de ella. No se puede caracterizar ningún acto
humano como bueno en sí mismo, ni denominarlo bueno tan sólo porque se apruebe
socialmente, ni puede decirse que algún objeto es bello, porque su color o su
forma lleven a llamarlo bello. En su ensayo El sentido de la belleza (1896)
propuso novedosos argumentos para una consideración fundamentada del fenómeno
estético.
El pedagogo y filósofo
estadounidense John Dewey consideraba la experiencia humana como inconexa,
fragmentaria, llena de principios sin conclusiones, o como experiencias
manipuladas con claridad como medios destinados a cumplir fines concretos.
Aquellas experiencias excepcionales, que fluyen desde sus orígenes hasta su
consumación, son estéticas. La experiencia estética es placer por su propio
interés, es completa e independiente y es final, no se limita a ser
instrumental o a cumplir un propósito concreto.
Estética y Arte
Durante los siglos XVIII y XIX la
estética permaneció dominada por el concepto del arte como imitación de la
naturaleza. Novelistas como los británicos Jane Austen y Charles Dickens, y
dramaturgos como el italiano Carlo Goldoni y el francés Alexandre Dumas,
presentaban relatos realistas sobre la vida de la clase media. Los pintores
neoclásicos (como Jean Auguste Dominique Ingres), románticos (como Eugène
Delacroix) o realistas (como Gustave Courbet) representaban sus temas
extremando el cuidado en el detalle natural.
En la estética tradicional se
asumía también con frecuencia que las obras de arte son tan útiles como bellas.
Los cuadros podían conmemorar eventos históricos o estimular la moral. La
música podía inspirar piedad o patriotismo. El teatro, por la influencia de
Dumas y el noruego Henrik Johan Ibsen, podía servir para criticar a la sociedad
y, de ese modo, ser útil para reformarla.
En el siglo XIX, no obstante,
conceptos vanguardistas aplicados sobre la estética empezaron a cuestionar los
enfoques tradicionales. El cambio fue muy evidente en la pintura. Los
impresionistas franceses, como Claude Oscar Monet, eran denunciados por los
pintores academicistas por representar lo que ellos pensaban deberían ver,
bastante más de lo que realmente veían, como eran las superficies de muchos
colores y formas oscilantes causadas por el juego distorsionante de luces y
sombras cuando el Sol se mueve.
A finales del siglo XIX, los
postimpresionistas como Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh
estuvieron más interesados en la estructura pictórica y en expresar su propia
psique que en representar objetos del mundo de la naturaleza. A principios del
siglo XX, este interés estructural fue desarrollado por los pintores cubistas
como Pablo Ruiz Picasso, mientras que la inquietud expresionista se reflejaba
en la obra de Henri Matisse y otros fauvistas, así como en expresionistas
alemanes de la categoría de Ernst Ludwig Kirchner. Los aspectos literarios del
expresionismo pueden verse reflejados en las obras del sueco August Strindberg
y del alemán Frank Wedekind.
En estrecha relación con estos
enfoques, hasta cierto punto no figurativo del mundo plástico, cobró relevancia
el principio del "arte por el arte", derivado de las tesis de Kant
según las cuales el arte tenía su propia razón de ser. La frase fue por acuñada
en 1818 por el filósofo francés Víctor Cousin; a su doctrina se adhirieron el
crítico británico Walter Horatio Pater y el pintor estadounidense James Abbott
McNeill Whistler. En Francia resumió el credo de los poetas simbolistas como
Charles Baudelaire. A partir de entonces, el principio del arte por el arte
pasó a ser esencial en la mayor parte de las vanguardias occidentales del siglo
XX.
otros conceptos:
Inspiración
El Renacimiento tiene un canon de belleza semejante al del
mundo clásico, que se basa sobre todo en
la armonía y en la proporción.
En esta época Italia pasa a ser el referente artístico de
todo el continente, ya que todas las
artes reflejaron este canon de belleza del mismo modo.
Dentro de las producciones artísticas, han quedado como
emblemáticas en la historia el David de Miguel Ángel como canon de belleza
masculina (aún hoy referente publicitario) y El nacimiento de Venus de Sandro
Botticelli
La Venus de Milo, creada en el 130 a.C y el 100 a.C, de autor
desconocido, en la figura más representativa del período helenístico de la
escultura griega, y una de las más famosas de la antigua Grecia. Representa a
Afrodita. Diosa del amor y la belleza.
El Discóbolo de Mirón es una escultura realizada por Mirón
de Eleuthera en torno al 455 a.C. Representa a un atleta en el momento anterior
a lanzar un disco.
Belleza femenina
Las características femeninas son: piel blanca, sonrosada en
las mejillas, cabello rubio y largo, frente despejada, ojos grandes y claros;
hombros estrechos, como la cintura; caderas y estómagos redondeados; manos
delgadas y pequeñas, en señal de elegancia y delicadeza; los pies delgados y
proporcionados; dedos largos y finos; cuello largo y delgado; cadera levemente
marcada; senos pequeños, firmes y torneados; labios y mejillas rojos o
Sonrosados. En la época tan solo usaban maquillaje como el
colorete y el carmín para esos tonos rosas de la cara. Aunque donde si
encontramos diferencias con épocas anteriores es en el vestido ya que es
bastante ostentoso. A pesar de eso a los renacentistas, en su afán por mostrar
la perfección corporal, les gustaba mostrar la desnudez de los cuerpos en
muchas de sus obras.
Se pueden apreciar estas características en el cuadro de La
Gioconda, de Leonardo Da Vinci, pintada entre el 1503 y el 1519
Y también se pueden ver en el cuadro El Nacimiento de Venus,
de Sandro Botticelli, realizada entre el 1483 y el 1484
Belleza masculina
En cuanto al ideal de belleza masculino podemos centrarnos
en la fabulosa escultura del David de Miguel Ángel, tan sólo se le podría
añadir como otras características los cabellos largos y relucientes, las cejas
pobladas y marcadas, una mandíbula fuerte y unos pectorales anchos.
Podemos apreciar las características del canon de belleza
masculina gracias a la escultura del David de Miguel Ángel Buonarroti, pintado
entre el 1501 y el 1504
La proporción y la armonía como base
de la belleza
No podríamos hablar de la belleza renacentista sin mencionar a Leonardo
da Vinci quien dedicó buena parte de su Tratado de pintura a expresar las
proporciones más armónicas entre todas las partes del cuerpo con el Hombre
de Vitrubio. En él, el ombligo era el punto central natural del cuerpo
humano y el centro de la circunferencia y del cuadrado en el que se
inscribe el cuerpo del hombre extendido. En este dibujo Leonardo Da Vinci
representa las proporciones que podía establecerse en el cuerpo humano. Esta
proporción refleja la máxima belleza y perfección, es decir la belleza divina.
Para Leonardo, el hombre era el modelo del universo y lo más importante era
vincular lo que descubría en el interior del cuerpo humano con lo que observaba
en la naturaleza.
Para Aristóteles y Platón, la
estética era inseparable de la moral y de la política. El primero, al tratar
sobre la música en su Política, mantenía que el arte afecta al carácter humano
y, por lo tanto, al orden social. Dado que Aristóteles sostenía que la
felicidad es el destino de la vida, creía que la principal función del arte es
proporcionar satisfacción a los hombres.
En su gran obra sobre los
principios de la creación artística, Poética, razonaba que la tragedia estimula
las emociones de compasión y temor, lo que consideraba pesimista e insano,
hasta tal punto que al final de la representación el espectador se purga de
todo ello. Esta catarsis hace a la audiencia más sana en el plano psicológico
y, así, más capaz de alcanzar la felicidad. Desde el siglo XVII, el drama
neoclásico estuvo muy influido por la Poética aristotélica. Las obras de los dramaturgos
franceses Jean Baptiste Racine, Pierre Corneille y Molière, en particular, se
acogían a los principios rectores de la doctrina de las tres unidades: tiempo,
lugar y acción. Este concepto dominó las teorías literarias hasta el siglo XIX.
Aunque vinculado al
neoplatonismo, el filósofo del siglo III Plotino otorgó una mayor importancia
al arte que el propio Platón. En sus tesis exponía que el arte revelaba la
forma de un objeto con mayor claridad que la experiencia normal y lleva al alma
a la contemplación de lo universal.
La
Arquitectura como expresión artística
Los espacios, definidos como: donde se ubican loso objetos
sensibles; y la extensión que contiene toda la materia existente, han
evolucionado junto con las nuevas propuestas de las generaciones contemporáneas
del siglo XXI; términos como, espacios, volumen, forma, cuerpos, etc., se
fusionan con conceptos artísticos de diseño, color, arte y estética, ocupando
para su creación un sin fin de materiales y su perfecta aleación, logrando
crear y dar solución a las necesidades propias del consumidor y de los agentes
creativos, siempre a la vanguardia con los tiempos y la tecnología nació de cierta forma que cubría las necesidades .
“De esta forma, dentro de las propuestas y proyectos que se
están utilizando para la educación de las carreras relacionadas con el diseño,
arquitectura y construcción, se ven involucrados dichos términos y programas de
gráfica y software educativos, ayudando y facilitando desde sus inicios, en la
etapa de idea y proyecto, materializados pronto en planos y maquetas, lo que
más tarde se convertirá en espacios utilizables por la sociedad, ocupando un
lugar preferencia dentro de la urbe y siendo objeto de admiración por
compartir una doble lectura, espacio funcional y objeto de arte.”
La pintura como expresión artística
El arte es la
mejor manera de expresarse a si mismo. Por ejemplo, las Pinturas tienen un fin
más expresivo que decorativo. Obviamente, son pocos los que podrán interpretar
la intención del autor pero es una forma de ejercitar la mente artística. El
lado decorativo que ejercen las Pinturas es bastante importante a la hora de
adquirir estos trabajos.
Como muchos
críticos de arte señalan, la pintura es una expresión de pensamientos e ideas
que muchas veces no se reflejan con la realidad. Fueron a partir de estas
acciones que se empezaron a desarrollar los movimientos artísticos que
conocemos en la actualidad.
Existen
antecedentes de que el hombre primitivo hizo dibujos y Pinturas en sus
cavernas, estas creaciones fueron conocidas como pinturas rupestres. Desde ese
momento hasta nuestros días la pintura ha evolucionado pasando por distintas
etapas. Son cientos los pintores que contribuyeron al arte dejando verdaderas
obras maestras que se exhiben en diversos museos del mundo entero.
Solo por
mencionar algunos de los mejores pintores tenemos a Leonardo da Vinci, Pablo
Picasso, Wassily Kandinsky, Rembrandt, Van Gogh, Miguel Ángel entre otros. En
realidad son gustos particulares de cada persona por determinados trabajos y
estilos. Otra forma de tener un contacto más directo con el arte es visitando
museos y otros lugares de interés cultural.
Existen muchas maneras para aprender a pintar,
pero solo una forma de llegar a mejorar. La práctica es fundamental no solo
para comprobar las pautas que se enseñan sino también para desarrollar nuestro
propio estilo y buscar la mejor manera de crecer. La elección de la pintura es
esencial para el acabado de los diferentes tonos y texturas que se desee
conseguir. La pintura no es un arte establecido, cada autor aporta algo de su
propio conocimiento.
La música como expresión artística
La música posee la capacidad de despertar
en las personas sentimientos de diversa índole, experimentando reacciones de
alegría, melancolía, tensión, relajación etc. Esta misma circunstancia ocurre
en el bailarín/a, produciéndola una enorme acción emotiva que le impulsa a
expresarse a través de sus movimientos. Existen una serie de elementos de la
música que inciden en el desarrollo de la expresión artística de la danza.
Estos son: la melodía, la armonía, el estilo y el carácter.
1. La melodía:
Se puede definir como la combinación
heterogénea de los sonidos musicales, o la sucesión de sonidos de diversa
altura con la que el compositor expresa un sentimiento. A través del ritmo los
diferentes sonidos de la melodía se agrupan unos con otros. El ritmo es
importante en la danza, pero no es conveniente bailar sólo a golpe de tambor.
La melodía aporta un soporte natural para la expresión y ayuda al uso de la
respiración durante la interpretación.
2. La armonía.
Se define como la adicional textura
de la melodía, o cómo la ciencia que estudia los acordes. Un acorde es un
conjunto de tres o más sonidos que se oyen simultáneamente.
La armonía sirve de unión entre la
melodía y el ritmo, enriqueciendo la melodía y aportándole variedad y carácter.
Al bailarín/a le ayuda a ser más consciente de la respiración en los
movimientos, mejorando así la calidad de las ejecuciones.
3. Estilo y
carácter.
El carácter es el elemento expresivo
que nos va a decir como es la composición musical. Indica qué cualidad tiene:
si es alegre o triste, si tiene fuerza o es sensible, etc. Los términos usados
para expresarlo son entre otros: amable , apasionado, brillante, delicado,
furioso, tranquilo etc. etc.
Cada instrumento tiene un carácter
particular, y al igual que el músico opta por uno determinado para componer,
porque es el que necesita para desarrollar el sentimiento que quiere expresar,
en danza ocurre lo mismo.
La música y la danza son dos disciplinas que
necesitan tener algo que comunicar para poder crear o interpretar, y el
bailarín utiliza la música como medio para hacer fluir sus sentimientos y
comunicarse.
LA DANZA COMO EXPRESIÓN ARTÍSTICA
la danza la danza como una expresión artística en la que se
emplea la expresión corporal acompañada de música (expresión corporal que a su
vez expresa algunos sentimientos y emociones como amor felicidad alegría otras
manifestaciones desde la época primitiva se emplea a modo de manifestación
ritual de algunas culturas en posiciones de clase así como por ejemplo en los
hebreos se manifiesta aun en las asociaciones religiosas para adorar a dios
(alabanza)y hoy en día se suele emplear el los famosos carnavales desde el más
grande del mundo el de Brasil España en el que se emplea la danza como la samba
desde otros a su vez en el deporte como la gimnasia rítmica natación
sincronizada la danza es una de las más valiosas expresiones artísticas que se
ha empleado desde ya hace mucho tiempo es una manifestación artística que se
conserva desde épocas primitivas en los que destacan los bailarines como en su especialización ballet todo un clásico y a mi forma de pensar una de las más
grandes como , otra maravilla al igual porque el
mejor
En lo que cabe mencionar que cada tipo de expresión
artística de danza es deferente y única no se puede hablar en general de la
danza porque hay “géneros” diferentes en los que se emplea la danza (zamba, el
ballet, el flamenco, entre otra etc.) totalmente distintos es en general ay
géneros variados de la danza al final solo es una expresión artística bella.
tipos de danza
*tango
*baile de salón
*charlestón
*baile de las cintas
*danza del garabato
*huella
danza clásica jemer
La
literatura como expresión artística y cultural
La literatura es el testimonio de la vida y de la humanidad;
ella es capaz de exteriorizar la intimidad de las motivaciones humanas mejor aunque
la observación empírica. La literatura está tan íntimamente ligada a la
realidad, a la vida, al hombre y todo cuanto a él se relaciona; por eso es una
expresión social y cultural del ser humano.
Para crear su obra de arte, el autor de obras literarias
debe poseer una sensibilidad especial, a fin de que pueda intuir y descubrir
los pequeños y grandes aspectos de la realidad. Luego, su instinto completará
los detalles para concebir un mundo ficticio, en el que todo lo parecido con la
realidad es pura coincidencia, pero que verdaderamente es la vida al
descubierto, con la grandeza y las miserias humanas al desnudo, libres de
disfraces y convencionalismos sociales. Por ello, la literatura es también
expresión artística de la realidad.
critica de la película el juego perfecto
critica de la película el juego perfecto
esta película trata de un hecho real de niños que soñaban con ser grandes jugadores de beisball
donde ponían todo todo su amor para poder ser crear un equipo con el cual podían entrar a una ligar infantil y así poder estar mas cerca de su sueño y con seguir el titulo de la serie de ligas pequeñas 1957 con el tiempo encima para poder entrenar inician esta aventura.
nosotros recomendamos esta pelicula ya que cuenta como buscar tu sueño estar contra todo hasta contra tu propio padre como las posibilidades se trata de que se quiere se busca tambien nos cuenta como un niño que es rechasado por su propio padre mas por la muerte de su hermano pero el tiene el sueño de que quiere ser como esos beisbolistas que escucha demaciado que solo busca igual la aceptacion de su padre que esta en contra de su sueño le dice que debe de trabajar en la fundidora igual que su padre igual que el .
es ovio que el no pensaba igual que su padre y su abuelo que trataba de aspirar a mas no importaba que su padre no le gustara asi que empezo a entrenar solo en ese momento conocio al que seria su entrenador que decia que habia jugado en las grandes ligas en estados unidos , principio no se animaba a entrenarlo pero llegaron a un acuerdo se convirtio en su entrenador .
estos niños tenian un a educacion catolica que pensaban que habia de rezar antes de cada juego
que ademas traeria suerte individualmente y al equipo por lo mismo un padre los acompañaba.
se anotaron o inscribieron es la liga de pqueñoas equipos infaltiles tuvieron que condseguir para el pasaporte su sorpresa fue que tendrian que caminar hasta el campo de su primer jugo ,
sin descanso ya que tenian que juagr enseguida tenian que soportar la descriminacion de las personas de ese pais que querian verlos humillados pero sus metas estaban adelante no importaba como pero tenian que seguir de una o otra forma que no podian desperdician tal oprtunidad solo es un breve relato de lo que veran esta gran pelicula que recomendamos esperando que la disfruten tanto como nosotros.
Equipo:Ángel Macías,Norberto Villarreal,Gerardo González,José Maiz,Rafael Estrello,Jesús Contreras.,Roberto Mendiola,Fidel Ruíz,Enrique Suarez,Ricardo Treviño,Mario Ontiveros,Baltazar Charles,Francisco Aguilar,Alfonso Cortez.
